El blog de "Alcazaba"

Daniel Baremboim en el Palacio de Carlos V

2011-07-12T12:36:00.003+02:00

En la 60 edición de Festival Internacional de Música y Danza de Granada que está por concluir la presencia del pianista y director Daniel Baremboim junto con la Staatskapelle Berlin cierra un ciclo de varios años en los que han estado ofreciendo las sinfonías de Anton Bruckner.

Ante la duda de una futura presencia de Baremboim en el Festival, se trataba de una ocasión ineludible de disfrutar de la misma, y en años anteriores siempre he tenido algún problema que me lo ha impedido. Es más, nunca antes había estado en un concierto en el Palacio de Carlos V y mi asistencia al Festival estaba más centrada en los llamados matinales y en el Fex. O bien los planes veraniegos se solapaban con los conciertos, o bien no estaba yo para gastar...

Parecía que este año iba a correr igual suerte, porque en el momento de ponerse las entradas a la venta no tuve forma de hacerme de ninguna, pero justo pocos días antes Vicente, un buen amigo melómano, me ofreció la posibilidad de hacerme de una a través de Fernando López Vargas-Machuca de quien recomiendo visitar su magnífico blog.

Al final Vicente cargó con el coste de la entrada que se ofrecía, que era de las caras, y yo me quedé con la de Vicente por unos modestos 15 euros, y con ambos asistí a este magnífico concierto. De los dos programados para este edición del Festival, asistí al que tenía como protagonistas las Sinfonía Nº3 de Bruckner y el Concierto para Piano Nº27 de Mozart, un excelente doblete para disfrutar de Baremboim como director y solista.

La velada musical de 10 de julio a las 22:30 horas dió comienzo con Mozart, en una noche calurosa y con una luna creciente avanzada sobre nosotros. El Concierto Nº27 era una buena forma de calentar motores y abrir nuestro oídos y Baremboim ofreció una lectura transparente, rica en detalles y muy equilibrada. Orquesta y Director/Solista totalmente compenetrados ofrecieron una de las grandes páginas de la obra de Mozart con una calurosa acogida del público por la que Baremboim nos regaló como bis un Impromptum de Schubert.

Tras el intermedio y el correspondiente refrigerio, nos aguardaba la Sinfonía Nº3 de Bruckner. En mi caso estoy familiarizado someramente con su obra, pero precisamente la Nº3 es la sinfonía que más le he escuchado, una magnífica catedral sonora, obras que requieren de excelentes interpretaciones y de una dirección que no deje nada al azar.

Nuestras expectativas se vieron colmadas, un ejercicio de profundo conocimiento de la obra, de explotación de todas las gamas dinámicas posibles de la orquesta, ningún detalle se perdió y la comunicación director-orquesta palpable en todo momento. El último movimiento fue un clímax en el que Baremboim jugó con el tempo y la orquesta como si estuviéramos en una montaña rusa. Inolvidable.

A modo de ilustración dejo este vídeo de una anterior visita de Baremboim, en aquella ocasión con la West-Eastern Divan Orchestra.

Y muchas gracias a Vicente y Fernando por compartirlo conmigo.

In Glorious Monoaural Sound

2010-09-13T11:01:00.005+02:00

In Glorious Stereophonic Sound. Can also be played on mono equipment at apinch. This stereo record cannot be on old tin boxes no matter what they are fitted with. If you are in possession of such equipment please hand it in at the nearest police station.

En 1973 la contraportada del primer álbum de Mike Oldfield, "Tubular Bells", llevaba impreso ese aviso que no deja de ser una broma. Eran los años de mayor expansión y gloria del sonido estereofónico. A dia de hoy, vivimos inmersos en la dichosa revolución digital: el sonido comprimido MP3 hasta en la sopa, el Dolby Digital y los Home-Cinema nos rodean de canales de sonido: pero la gente no sabe muy bien si escucha en multicanal, estéreo o en monoaural, porque la verdad es que la mayoría de los aparatos de uso doméstico suenan mucho peor que en los años 70-80.

La frase me sirvió de excusa para abrir un apartado con el título In Glorious Monoaural Sound en El Gramóforo, un sitio donde comparto mis aficiones. Y aprovecho para dejar constancia aquí.

Llevaba tiempo con la idea de poner en marcha un equipo de sonido totalmente monoaural, que permitiera reproducir con calidad material fonográfico de la primera mitad del siglo XX. Realmente la grabación monoaural estuvo muy extendida incluso en la década de los 60, conviviendo con el sonido estéreo. Los discos de los Beatles, Rolling Stones y otros grupos de la época fueron editados en monoaural en su origen. Otra cosa es que no se escucharan muchas veces decentemente porque la mayoría de los hogares sólo podían permitirse modestas maletas de tocadiscos, pero también existían equipos de calidad.

A lo largo de los años y mi actividad como técnico de electrónica he ido acumulando y recopilando diversos materiales que sirvieron para plasmar la idea: un tocadiscos alemán Braun PS500 (años 70) una cápsula magnética General Electric (años 50) y un amplificador de megafonía Philips (años 60) más unos altavoces también Philips (50-60) montados en una caja acústica de generosas dimensiones. Y aquí estoy, disfrutando un poco de jazz y de viejas figuras de la dirección orquestal: Ernest Ansermet, Karl Böhm, Ferenc Fricsay, Eugen Jochum, Herbert von Karajan, Arturo Toscanini,... etc... ¡¡In Glorious Monoaural Sound!!

La Música Extremada

2010-09-07T10:54:00.001+02:00

Fray Luis de León
A Francisco de Salinas
Catedrático de Múisca de la Universidad de Salamanca

El aire se serena
y viste de hermosura y luz no usada,
Salinas, cuando suena
la música estremada,
por vuestra sabia mano gobernada.

A cuyo son divino
el alma, que en olvido está sumida,
torna a cobrar el tino
y memoria perdida
de su origen primera esclarecida.

Y como se conoce,
en suerte y pensamientos se mejora;
el oro desconoce,
que el vulgo vil adora,
la belleza caduca, engañadora.

Traspasa el aire todo
hasta llegar a la más alta esfera,
y oye allí otro modo
de no perecedera
música, que es la fuente y la primera.

Ve cómo el gran maestro,
aquesta inmensa cítara aplicado,
con movimiento diestro
produce el son sagrado,
con que este eterno templo es sustentado.

Y como está compuesta
de números concordes, luego envía
consonante respuesta;
y entrambas a porfía
se mezcla una dulcísima armonía.

Aquí la alma navega
por un mar de dulzura, y finalmente
en él ansí se anega
que ningún accidente
estraño y peregrino oye o siente.

¡Oh, desmayo dichoso!
¡Oh, muerte que das vida! ¡Oh, dulce olvido!
¡Durase en tu reposo,
sin ser restituido
jamás a aqueste bajo y vil sentido!

A este bien os llamo,
gloria del apolíneo sacro coro,
amigos a quien amo
sobre todo tesoro;
que todo lo visible es triste lloro.

¡Oh, suene de contino,
Salinas, vuestro son en mis oídos,
por quien al bien divino
despiertan los sentidos
quedando a lo demás amortecidos!

La "Dictadura Digital" ya domina la fotografía.

2010-09-06T09:58:00.004+02:00

Como ha venido ocurriendo con la música (imposición de formato, compresión mp3, loudness war...) , la dictadura digital avanza cargándoselo todo en diversos ámbitos.

Servidor sigue siendo amigo de utilizar sus cámara de fotos con carrete (tengo varias, una Nikon que fue mi primera reflex, una Pentax que me cedió un amigo precisamente por abandono del soporte, y una Lubitel para negativos de 6x6), seleccionar que fotos voy a realizar en vez de tirar de tarjeta de memoria y luego estar viendo cienes y cienes de fotos... disfrutar unas copias en 15x20, en fin, que algunos somos así de raritos.

Pero llevo ya meses que estoy con la mosca tras la oreja, porque la calidad de los revelados a ido cayendo en picado. En un caso en que fue un desastre y reclamé, me devolvieron el dinero de las copias y me tuve que ir con el negativo a otro sitio.. decían que la máquina de revelado estaba rota y tenían para rato...

Pero es que ya llevo varios establecimientos de revelado visitados y los defectos son parecidos... unos colores raros en el papel, como si el degradado de las distintas tonalidades no fuera exacto. Parece grano, pero no lo es, porque con un 200 ISO tampoco es para tanto. A todo esto, aunque uno no lo pida, te acompañan de un CD de digitalización del carrete, que es una auténtica cutrez... la digitalización viene con una pobre resolución y a poco que haces zoom empieza a aparecer un pixelado espantoso.

Se me encendió la alarma al comprobar que en esas digitalizaciones aparecian los mismos defectos de color que en papel, y dije "hostia, que lo que me están haciendo es digitalizar el carrete y sacar el papel de eso".

Justo estos días encontré a un amigo fotógrafo profesional y le consulté, me confirmó mis temores: ya no se hacen las copias mediante proceso químico a partir de negativo. Todo son copias digitales. Así que si hacen una chapuza de digitalización de negativo, eso es lo que vas a tener en papel. Pero es que yo no quiero copias digitalizadas, ¡¡¡quiero copias analógicas!!!

¡¡Hasta las gónadas oigan!! ¿alguien sabe donde me pueden sacar mis copias como dios manda?

En caso de desesperación terminaré comprando un escáner de negativos y al menos hacerlo decentemente, pero no es mi propósito tener fotos analógico-digitales.

Dejadez

2010-02-17T18:05:00.008+01:00

Además de un buen título para definir como tengo el blog, que hace un año que no pongo nada por aquí, dejadez es algo a lo que nos tienen muy acostumbrados nuestras administraciones en lo relativo al cuidado del patrimonio.

De noviembre de 2009 son estas fotografías del edificio existente junto a la antigua estación del Tranvía de Sierra Nevada en el paraje denominado El Charcón. Exactamente eso: Dejadez.

No tengo constancia fehaciente de cuando se construyó este edificio, según la bibliografía que he podido consultar, el tranvía llegó en 1928 hasta el río Maitena, y desde ese punto los carruajes llevaban por camino a los viajeros hasta el Hotel Sierra Nevada (conocido por los granadinos como Hotel del Duque, en referencia al Duque de San Pedro de Galatino, promotor del mismo y del tranvía). En 1931, y tras numerosas dificultades económicas, la línea ferroviaria pasa cautelarmente a manos del estado, situación que será definitiva en 1934. Ya en 1936, el Hotel Sierra Nevada es cedido al Arzobispado de Granada para su uso como seminario de verano. Muy posiblemente sea en los años 40 cuando se edificase, en algún momento entre 1944 y 1947, cuando se ejecutan las obras de ampliación del tranvía entre la estación de Maitena y el Barranco de San Juan, con estación intermedia en el Charcón.

Esta ampliación era realmente la primera fase de un proyecto más amplio -nunca finalizado- que pretendía llevar el tranvía hasta las mismas Minas de la Estrella, contemplándose en el mismo la construcción de tres estaciones junto con sus correspondientes albergues para turistas, así como un teleférico que partiría desde el Barranco de San Juan hasta los Peñones de San Francisco.

El edificio en cuestión bien podría ser uno de los albergues proyectados, si bien su contemplación induce a confusión de pensar que fuera de la misma época que el Hotel Sierra Nevada, por su similar arquitectura. No obstante tengo muchas preguntas sin respuesta ¿llegó a utilizarse para tal fin? ¿durante cuanto tiempo? ¿dependía directamente de los ferrocarriles de vía estrecha?. La actividad montañera estuvo asociada a esta línea ferroviaria durante casi 50 años.

Como en este mismo blog comenté, el tranvía dejó de funcionar en 1973. En los años 90, cuando el estado de ruina amenazaba con la total pérdida del edificio que comentamos, la Junta de Andalucía acometió la reconstrucción del mismo (quedaban gran parte de los muros), y según en aquellas fechas yo escuché, se pensaba poner operativo allí un centro de visitantes.

Pero ya vemos que no, que de nuevo, la dejadez. Dinero invertido ¿para qué?... ¿tiene la Junta pensado hacer algo? ¿a alguien le suena esto?

Fotos en Flickr

2009-01-21T14:43:00.002+01:00

Desde que activé este blog he estado sopesando la manera más práctica de poner las fotografías, y finalmente he decidido que a partir de ahora, en el blog solamente pondré alguna foto ilustrativa del comentario, pero no un "lote" completo como en algunas ocasiones.

De modo que he un perfil para Alcazaba68 en Flickr donde poco a poco iré subiendo fotografías, sin necesidad de por ello hacer un post o comentarios.

!!Feliz 2009¡¡

Six Feet Under

2008-11-19T09:03:00.002+01:00

Para salirme un poco de mi habitual tónica musical-campestre, voy a escribir sobre mi una de mis series de televisión favoritas, no es lo habitual en mí, y no es que trate de ir de snob diciendo que no veo la tele, sino que hay otras pasiones que me absorben más y al final siempre me falta tiempo, y termino por perderme algunas cosas que merecen la pena.

“A dos metros bajo tierra”, título con el que fue emitida en España, es una serie muy singular, más para tratarse de una producción estadounidense, a mi me pillo la emisión en la segunda temporada algo desprevenido y en principio pensaba estar ante una serie británica.

Todo gira alrededor de la vida de una familia que regenta un negocio funerario, los detalles de la trama los podeis consultar en la Wikipendia. Así que no me extenderé sobre eso.

La serie incide especialmente en el modo en que las personas estamos sujetas a los caprichosos vaivenes del destino, y siempre, la muerte como telón de fondo. No por esto estamos ante una narración oscura y morbosa, pero sí bastante inquietante y que es capaz de remover nuestros sentimientos. El cabeza de familia, que fallece en el primer capítulo, aparece de forma constante a lo largo de la serie y se comunica con los suyos, claro está en la imaginación, no desde una proyección sobrenatural. Y acaso digo ¿no hemos hablado alguna vez en nuestro interior con nuestros difuntos, buscando algo de apoyo y orientación ante el caos?

No existe intención moralizante alguna en la serie, y los acontecimientos en muchas situaciones nos inclinarían a la emisión de juicios, pero existe un tratamiento muy equilibrado de los personajes, donde es fácil sentirnos identificados con algunas de sus situaciones y dilemas, y al final, incluso lo que parecen abyectos en alguna ocasión merecen nuestra comprensión.

Todo ello con una factura impecable, de lo mejorcito que yo he visto para televisión, actores muy solventes, diálogos creibles, una fotografía cuidada y música muy interesante.

Como no puedo evitar nunca hablar de música, os dejo el final del último episodio, con música de Sia, y por si acaso tened el pañuelo a mano, pero sin embargo.... Hay esperanza.

Paréntesis

2008-10-16T11:19:00.003+02:00

Ya son tres meses los que llevo sin actualizar el blog. Por circunstancias personales no he tenido ni el tiempo ni el ánimo necesario, afronto un momento de cambios que aún requiere asentar muchas cosas.

No obstante, poco a poco los temas vuelven a rebullir en mi cabeza y espero hacer algún nuevo comentario por aquí. Para empezar, vuelvo a escuchar mucha música, he retomado el contacto con los compañeros de Azimut, nuevas amistades... en fin, construyendo nueva vida también.

No tardaré mucho, lo prometo.

David Eating estrena "Sombras de Ciudad"

2008-06-25T17:21:00.006+02:00

El pasado 19 de junio, en la sala 15 de Kinépolis, tuvo lugar el estreno de "Sombras de Ciudad" el último cortometraje del joven cineasta David Eating. Sobre el mismo podeis leer esta crítica

[por Mercedesrojoynegro]

Antes que nada, felicitar al director y protagonista de la cinta, David Eating, por la magnífica labor realizada sin contar con ningún tipo de ayuda oficial, y por la ilusión con que la ha llevado a cabo.

Capítulo aparte merece la hazaña de casi completar el aforo de una sala de Kinépolis, si tenemos en cuenta la poca difusión que los medios de comunicación dedican a eventos de este tipo.

Corto de tema rabiosamente actual o, más bien, temas, pues el autor aborda más de uno, aunque sólo sea de soslayo, y creo que están muy bien enfocados.

Buena fotografía, con unas tomas cortas sobresalientes ( la taza de café , por ejemplo, plena de connotaciones) ; una hermosa utilización del blanco y negro y bella superposición de imágenes.

Aceptable interpretación, con un notable para la protagonista femenina, Carmen Galdeano, cuyo papel me encantó, así como para el propio David, que destaca en aquellas escenas del desdoblamiento de su personalidad.

De magnífico calificaría la que suscribe el corto si suprimiéramos ese final extraterrestre, de ciencia ficción, que desentona lamentablemente con la calidad del resto de la cinta.

Y reservo una mención especial y honorífica para el autor e intérprete de la música, Juan Trova, y que puso un punto final delicado y bellísimo a la cinta.

Felicidades a todos y a continuar en el esfuerzo.

Despedida de la primavera en el Valdeinfierno

2008-06-23T22:50:00.002+02:00

El fin de semana del 21-22 de junio estabamos ansiosos por subir a la Sierra. Por diversas circunstancias al final terminamos Curro y yo haciendo este itinerario que podeis leer completo en la web de Azimut (pinchar en el itinerario): Albergues - Corral del Veleta - Veta Grande - Laguna Larga - Valdeinfierno - Cueva Secreta - Vereda de la Estrella - Güejar Sierra.

Fotografías del reportaje cortesía de Curro. La que encabeza este post muestra la cara este de los Machos.

Ferenc Fricsay: una corta pero intensa vida musical

2008-06-20T11:49:00.004+02:00

Se acercan las vacaciones y es un excelente momento para disfrutar de la música, así que voy a detenerme en comentar uno de mis directores de orquesta favoritos, Ferenc Fricsay. Sirva este comentario para que aquellos que lo conocen repasen su discografía, en la que cada nueva escucha proporciona algún descubrimiento; y para aquellos que no supieran sobre él dispongan de una referencia.

Ferenc Fricsay, nacido en Szeged (Hungría) el 31 de julio de 1914, desde muy joven mostró gran talento musical. Ingresó en la Academia de música Franz Liszt de Budapest, en donde tuvo como profesores a Béla Bartók, Zoltán Kodály, Ernst von Dohnányi y Leo Weiner. Debutó a los quince años como director en la Ópera de Szeged y en 1933, reemplazó a su padre al frente de la orquesta militar de la ciudad. Con motivo de la Segunda Guerra Mundial tuvo que huir a Budapest, en donde organizó conciertos en el sótano de la Ópera durante los combates, hasta el año 1944.

Tras la guerra abandona Hungría y se instala en Salzburgo, Austria, donde tuvo la oportunidad de poder reemplazar a Otto Klemperer en la ópera La Mort de Danton de Frank Martin, el año 1947. En Hungría obtendrá la nacionalidad en 1958.

En 1948 debutó en Berlín, dirigiendo la ópera Don Carlos de Verdi. En 1949 inició una relación muy fructifera como primer director musical principal de la Orquesta de la RIAS de Berlín (la orquesta de la rádio del sector americano de Berlín), con la que colaboró estrechamente durante toda su vida, dejando numerosos e interesantes testimonios discográficos en el sello Deutsche Grammophon.

Durante los años cincuenta dividió su tiempo entre Berlín -en donde también dirigió la orquesta de la Deutsche Oper y la Filarmónica de Berlín-, Munich -al frente de la orquesta de la Orquesta de la Ópera Estatal de Baviera- y Viena dirigiendo un ámplio repertorio, destacando su pasíon por las óperas de Mozart y Verdi. En 1954 fue nombrado director musical de la Orquesta Sinfónica de Houston. A partir de 1958 la enfermedad le obligó a disminuir el ritmo de trabajo, por lo que se concentró en su trabajo al frente de la RIAS. En noviembre de 1961, dio su último concierto en Londres con la Orquesta Filarmónica de Londres en el que dirigió la Séptima Sinfonía de Beethoven. Falleció en Basilea, el 20 de febrero de 1963, a la edad de 48 años, a causa del cáncer.

Todas las grabaciones de Fricsay, tanto al frente de la RIAS como de la Filarmónica de Berlín, son de una gran calidad musical y algunas de ellas hitos discográficos. Tal sería el caso de la Novena Sinfonía de Beethoven, en mi opinión la mejor grabada en estéreo y reeditada con un reprocesado muy notable en la serie “Originals” de D.G., una interpretación vibrante a la altura del mito Furtwängler. También en la misma serie y con la Filarmónica de Berlín tendría tal consideración la “Sinfonía del Nuevo Mundo” de Dvorak. Con la RIAS tiene un gran interés el Requiem de Mozart y la Sinfonía “Patética” de Tchaikovsky. En líneas generales, la dirección de Fricsay se caracteriza por un excelente trabajo en las dinámicas orquestales y una moderada incisividad que contrasta con otros directores bastante más “edulcorados” de esa época. Interpretaciones con un alto rango de matices que por desgracia no siempre se pueden apreciar en sus grabaciones monoaurales (recordemos que el sonido monoaural del sello D.G. Nunca ha sido una maravilla, comparado con las tomas de sonido de Decca). En lo referente a los compositores de su entorno geográfico próximo, al citado Dvorak habría que añadir Smetana, Bartok y Kodaly, de los que sus lecturas siempre rebosan el espíritu del folclore propio. Sirva de ejemplo este vídeo de unos ensayos con la RIAS donde podemos apreciarlo, que os aproveche.

Tubular Bells revisitado

2008-05-15T12:20:00.006+02:00

A estas alturas quizás resulte muy repetitivo volver a hablar del Tubular Bells de Mike Oldfield, su ópera prima (1973) y seguramente uno de sus mejores trabajos. Ha sido tal el abuso de vueltas de tuerca sobre lo mismo por parte de Oldfield, que incluso los más fieles seguidores de su carrera tenemos empacho tubular, el asunto daría para escribir un extenso artículo, pero no es el caso ahora (ya llegará). No obstante, hay un buen motivo para ello.

Si nos limitamos a citar transcripciones de corte clásico del Tubular Bells, la primera a tener en cuenta es la realizada para orquesta por el compositor David Bedford, amigo y colaborador de Oldfield. The Orchestral Tubular Bells tuvo su estreno en directo en diciembre de 1974 en Royal Albert Hall de Londres con la Royal Philharmonic Orchestra dirigida por Bedford y vio la luz como LP en 1975 (grabado en estudio, no en directo). Para mi resultó un intento fallido de trasladar a una sala de conciertos una música que por sus características tiene el encanto de un caos ordenado (más acierto hubo en la transcripción orquestal de Hergest Ridge, tocada en la misma fecha, que sin embargo solo puede escucharse en una grabación pirata que circula).

A Tribute to Mike Oldfield's Tubular Bells es otra versión realizada por el Gino Marinello Synthesizer Section en 1988, emulando electrónicamente las sonoridades originales, algo que a mí no me termina de convencer ya que para mí el Tubular es una obra esencialmente “acústica”. Quede citada por tratarse de otro interesante cover. En 1996 el Duo Sonare (formado por dos músicos alemanes) graba una curiosa y bastante fiel transcripción para guitarras. Y en Aranjuez, el 15 y 16 de noviembre de 2003 tuvo lugar el primer Tubular Project, organizado con motivo del 30 aniversario de la campana, dos conciertos interpretados por la Orquesta de Pulso Y Púa Vicente Alexandre, junto con la colaboración de otros músicos y la asistencia del mismo David Bedford, ya citado por ser el autor de la transcripción orquestal. Allí pude asistir y conocer a bastantes miembros de la comunidad oldfiana internáuta. De aquellos conciertos se editó un Cd privado que los asistentes guardamos con cariño.

En el año 2007 tiene lugar una interpretación en directo con cuatro pianos y un pequeño grupo de bailarines de ballet, arreglada por el pianista y compositor Marcel Bergmann, con motivo del 22nd High Performance Rodeo, en Calgary (Alberta, Canadá). La misma cuenta con el propio Bergmann y su Bergmann Duo, y los pianistas invitados Jeroen Van Veen y Hong Xu en cuatro pianos de cola Steinway, acompañados por cuatro miembros del Alberta Ballet, que ejecutaron una coreografía especialmente creada para la ocasión por el coreógrafo, actor y bailarín de origen nipón Yukichi Hattori.

Es esta última transcripción la que recientemente ha sido grabada y editada por el sello de música clásica Brilliant Classics (todo un crack en reediciones de gran calidad a precios irrisorios). Podeis haceros del Cd en cualquier tienda o gran superficie que distribuya el citado sello. Intervienen en la grabación en esta ocasión el Piano Ensemble formado por Elizabeth and Marcel Bergmann, Jeroen and Sandra van Veen.

Como hasta el momento esta transcripción sólo es de la Part1 (la Part2 está en proyecto) el Cd cubre su minutaje con dos versiones, la original de cuatro pianos y otra para dos pianos y dos sintetizadores. Tras una escucha del mismo he de decir que ha sido una grata sorpresa encontrar que uno puede volver a escuchar esta genial obra y comprobar que aún podía hacerse algo más sobre la misma.

Mi favorita es la versión para cuatro pianos, un arreglo de muy buen gusto y fidelidad a la música original, donde se refleja toda la complejidad de líneas melódicas contenidas, con un adecuado sentido de la expresividad y una evidente complicidad de los intérpretes con la música, moviéndose en ella como si fueran los propios autores.

La versión para dos pianos y dos sintetizadores no desmerece en absoluto, y las partes encomendadas a los sintetizadores buscan reflejar aquellos instrumentos de sonoridad más singular, no obstante, la excesiva estandarización del sonido de los sintes quita brillantez al conjunto, y me quedo con el sonido plenamente acústico de la otra versión.

Seria de desear que esta nueva transcripción encontrase eco en nuestros auditorios, donde podrían ofrecerse nuevas perspectivas con cualquier instrumento de tecla clásico: piano, clave y órgano. Sería de lo más interesante, esperemos que algunos músicos se ofrezcan a ello y enriquezcan esta brillante y nueva faceta del Tubular Bells.

Historicismo vs Eclecticismo

2008-04-02T12:15:00.002+02:00

He aqui uno de los temas calientes que no suele faltar en las discusiones de los foros de música, para ilustrar el mensaje nada mejor que la portada de "Switched on Bach" mostrándonos al Kantor de Leipzig entre sintetizadores, todo un atrevido ejercicio de descontextualización. Según en que círculos manifieste uno que le gusta el Bach de Wendy Carlos (Walther en el momento de aquella grabación), puede ser sometido a un auto de fé.

Ciertamente yo soy bastante ecléctico en mis planteamientos musicales, como me gusta la música electrónica y Bach al mismo tiempo, me divierto escuchando "Switched on Bach" y no me caliento la cabeza con si "es o no es Bach". Cualquiera que conozca el concierto de Brandemburgo nº3 lo reconocerá a primera escucha. Ahora tal vez más desfasado resulta el sonido de esos sintetizadores de 1968, pero lo que es innegable es la maestría con que están manejados.

"Interpretación históricamente documentada" es el quid de la cuestión, y en inglés recibe las siglas HIP (Historical Informed Perfomance); corriente que en los últimos 40 años aproximadamente ha establecido unas nuevas pautas (ya no tan nuevas) sobre como hay que abordar la denominada música antigua (genéricamente toda la conocida hasta el siglo XVIII) aunque ya se va haciendo extensiva a repertorios más recientes. El fenómeno se denomina coloquialmente "historicismo".

Resulta innegable que la música de esas épocas lejanas ha cobrado nuevo brillo al ser "vista" con este prisma. Se trata de que volvamos a escuchar lo más parecida a como fue una música que con el paso del tiempo se ha ido "manoseando" hasta transformarla sensiblemente, merced al gusto de cada época y los hábitos de interpretación. La polifonía renacentista o las obra corales de Buxtehude, Bach, Telemann o Handel se escuchan con mucha más nitidez y claridad con un coro ajustado a la práctica real del momento que con una formación mastodóntica, por poner un caso. Los instrumentos también han sufrido transformaciones con el paso del tiempo, generalmente destinadas a hacerlos más fáciles de manejar y estables en su afinación, sin embargo muchas veces a costa de una pérdida de "color" o timbre. Los "medios" es uno de los pivotes sobre los que gira la corriente historicista, el otro sería el "como", establecer que prácticas interpretativas son las inherentes a un determinado momento. Resulta que muchas cosas no estaban escritas en las partituras, porque en su momento los músicos las tenían muy claras, o estan en unos trazos muy someros que servían de orientación y dejaban el resto a la capacidad improvisatoria del músico. Tal seria el caso del "bajo cifrado" (acompañamiento que se suele desempeñar al clave, órgano u otros instrumentos de tañer como el laúd); también los signos de ornamentación son susceptibles de interpretación, el fraseo, el legato, el rubato... Etc.. En estos momentos se tiene una idea mucho más precisa de como se abordaban todas estas cuestiones, merced a la investigación.

No obstante, con todos estos criterios objetivos en la mano, es posible enfrentarse a interpretaciones históricamente documentadas de la misma obra que no tengan nada que ver unas respecto a otras, ya sea tanto por la destreza de los músicos que tocan (los instrumentos "antiguos" son bastante delicados al respecto y requieren ejecutantes especialmente versados) como por el margen de ¿libertad o duda? existente respecto a la interpretación. Así pues, no nos encontramos ante la "verdad absoluta". Es más, yo creo que en muchos casos el espíritu del momento impregna muchas de estas interpretaciones.

Y digo esto, volviendo a mi "boutade" del Bach con sintetizadores, porque no entiendo que el disfrute de la música tenga que entenderse como un mero ejercicio "arqueológico". Es más, se dá la paradoja que hay interpretaciones con todos los parabienes de la fidelidad histórica y una correcta ejecución que son un tostón al lado de otras tocadas con instrumentos modernos (no me refiero en este caso a sintetizadores u ordenadores, sino a instrumentos que no son tal como los de la época) y con "amaneramientos románticos o decimonónicos".

En cierta ocasión, conversando con el organista de la Catedral de Granada, Juan Alfonso García, y un familiar mío que le insistía en que sería de interés escucharle tocar sus propias obras al órgano, el músico nos dejó un tanto extrañados con esta afirmación : "El fenómeno musical consta de tres componentes: el compositor, el intérprete y el oyente. No me parece que dé buen resultado agrupar los tres en la misma persona". Esta escueta frase podría interpretarse en bastantes sentidos, sin embargo para mí pone especialmente de relieve el carácter "vivo" de la música y que el disfrute de la misma ha de plantearse con la mayor de las libertades, porque para gustos, los colores.

Puestas en práctica bajo mi punto de vista, estas libertades me permiten escuchar en directo (que siempre es mejor que en disco, porque desde luego los discos son un invento de hace cuatro días) la música de Bach o Vivaldi en mi ciudad, donde por ahora no hay formaciones instrumentales especializadas en música antigua, pero sin embargo la Orquesta Ciudad de Granada cumple diligentemente y casi siempre bajo la dirección de algún especialista. ¿Los directores que se venden al mejor postor? ¿o simplemente que se toman la cuestión con bastante naturalidad?. Tampoco esta de más comparar un concierto de Vivaldi en la interpretación de Il Giardino Armonico y luego escuchar a los hoy "demodé" I Musici.

Así pues, el historicismo para mí constituye una opción más, en estos momentos la más válida, para el deleite de las músicas del pasado, pero no por ello la única, y deberíamos plantearnos que los músicos de todas las épocas habrán pasado bajo su propio tamiz otras músicas más pretéritas sin que ello suponga ningún problema. No sea que con un exceso de puritanismo terminemos más "histéricos" que "históricamente bien informados".

Carl Sagan, un hombre del Renacimiento

2008-02-15T10:58:00.005+01:00

De todo lo que escuchamos, vemos o leemos, alguna de estas experiencias nos marcan de por vida, máxime en esos años en que estamos a medio camino entre la infancia y la adolescencia. En los años dorados de la era espacial ¿cuantos niños no habrán soñado con ser astronautas y aventurarse en la exploración del espacio?

Todo esto, a cuento del científico Carl Sagan, que a través de la serie televisiva Cosmos (cuya emisión comenzó en España a principios de los años ochenta, no sabría precisar el año exacto) causó gran impacto en mí. Si ya siendo más niño siempre me fascinó la contemplación del cielo estrellado e incluso causaba cierto respeto (¿que pasaría si todo eso se cayera? me decía yo, sin encontrar ninguna respuesta razonada a mi alrededor) desde aquel instante siempre he sentido gran curiosidad por la astronomía y en general he tenido más apego a las ciencias.

Cosmos nos acercó a muchos a los misterios del espacio y nos hizo amarlo. Documento de enorme carácter pedagógico gracias a la capacidad de Sagan de transmitir su pasión por la ciencia y el conocimiento de una forma comprensible y atractiva; la serie estaba planificada con un perfecto equilibrio entre datos científicos asequibles, abundantes referencias históricas a la investigación de nuestro planeta, de sus fenómenos y todo que nos rodea, una presentación excelente para los medios audiovisuales del momento y una banda sonora donde tenían cabida desde piezas clásicas hasta la música electrónica de Vangelis, de claras referencias cósmicas. A través de la misma Sagan encarnó al hombre del renacimiento, ese de curiosidad insaciable que combate cualquier miedo con el conocimiento, y que para muchos incluso constituye un referente moral a seguir. En cierto sentido, Cosmos es también la historia de la humanidad, de sus virtudes y sus miserias.

La serie, producida por la televisión pública estadounidense, ganó tres premios Emmy y un Peabody y constituyó todo un hito en la historia de la televisión. También sirvio para que muchos conocieramos la música del citado Vangelis, y precisamente me instó a comprar uno de mis primeros discos, "Heaven and Hell", que servía de fondo a los créditos de apertura y cierre de la serie. Hay muchos extractos de este disco y otros de Vangelis como "L’Apocalypse des Animaux", "Albedo 0.39", "Beaubourg", "Spiral", "Ignacio" y "China" a lo largo de los diferentes capítulos.

Breve resumen biográfico de Carl Sagan (ver fuente original):

Nació el 11-9-1934 en Nueva York. Graduado a los 20 años como físico puro, posteriormente doctorado en Astronomía y Astrofísica. Participación en los proyectos o misiones: Mariner 4 (primera sonda a Marte), Apolo 11, Mariner 9, Pionner, Voyager y SETI (búsqueda de inteligencia extraterrestre). Profesor de la Universidad de Harvard, Director del Laboratorio de Ciencias Espaciales en Cornell (Ithaca, Nueva York), Astrofísico en el Observatorio Astrofísico Smithsoniano, Cofundador del CSICOP (Comité para la Investigación Científica de los Hechos Paranormales). Autor o colaborador en los libros "OVNIS: un debate científico", "Los Dragones del Edén" (premio Pulitzer en 1978), "Cosmos" (adaptación de la serie), "Contacto" (llevada al cine), "El mundo y sus demonios" y "Miles de millones" (su testamento vital). Hombre comprometido y crítico con la carrera armamentística, partidario de la protección ecológica, opositor a las pseudo-ciencias y a los fundamentalismos de la clase que fueran. Falleció el 20-12-1996 tras una larga enfermedad.

Siempre en nuestro recuerdo y en el mío en particular cuando contemplo las noches estrelladas desde el cielo limpio de la Sierra.

Primera invernal de Azimut

2008-01-28T16:03:00.001+01:00

¡Hola! , con un poco de retraso, por aquello de los revelados a la antigua usanza, os pongo las fotografías de la primera excursión de alta montaña del 2008 del club Azimut, que tuvo lugar el 13 de enero. Un día radiante, con poca nieve ciertamente, que subimos al "Chullo" en la provincia de Almería. Acudimos servidor, Ana, Curro y Fernando, acompañados de Manolo y Ricardo de Jaén. Aqui podeis ver que la cumbre estaba algo pelona, pero buscando la nieve, pues disfrutamos una maravillosa jornada. Pinchad sobre las fotos para verlas más grandes.

Con los crampones ya puestos

En la cima, con el sector granadino de Sierra Nevada de fondo

A nuestros pies, el Marquesado del Zenete

Con Ana y Curro

Mirando hacia la costa granadina

De regreso al Puerto de la Ragua

La Granada Desaparecida

2007-12-16T23:10:00.001+01:00

En esta ocasión quiero detenerme en un interesante libro sobre nuestra ciudad, cuyo patrimonio ha sido tan tristemente expoliado y vapuleado con frecuencia. El autor es Juan Manuel Barrios Rozúa, amigo y compañero de andanzas por la montaña de la Asociación Deportiva Azimut. Su profundo conocimiento de nuestra historia y los avatares que han ido transformando Granada queda plasmado en este libro que recomiendo a todos los que tengan interés por conocer mejor que fue Granada en tiempos pasados, reproduzco las notas de contraportada que sirven de presentación.

Con esta “Guía de la Granada Desaparecida” el historiador Juan Manuel Barrios prosigue sus investigaciones sobre la destrucción del patrimonio histórico de Granada y la catalogación de los monumentos que la ciudad ha perdido en los dos últimos siglos. Más de ochenta edificios civiles y cerca de setenta religiosos, la mayoría desaparecidos y otros mucho hoy desfigurados, desfilan por las páginas de un libro que no dejará de sorprender a propios y extraños. La abundante documentación inédita, un impresionante corpus de imágenes, muchas poco divulgadas o desconocidas, y unos itinerarios nítidamente trazados sobre planos, permitirán al lector pasear por una ciudad que el tiempo nos ha robado… y de paso explorar la propia identidad de sus habitantes, pues como dijera John Ruskin, “toda forma noble de arquitectura es en cierto modo la encarnación de la política, de la vida, de la historia y de la religión de los pueblos”.

No falta en esta peculiar y novedosa guía una reflexión sobre los avatares que ha sufrido Granada en la Edad Contemporánea: la disolución de las órdenes religiosas, el embovedado del Darro, la apertura de la Gran Vía, los sucesos anticlericales de la Segunda República, el desarrollismo franquista… Una crónica implacable del drama de una ciudad que hoy afronta un futuro pleno de incertidumbres para su legado histórico. Conocer y valorar lo que se ha perdido quizás nos ayude a comprender lo importante que es preservar lo que permanece, un amplio patrimonio que es fuente de riqueza por el turismo que atrae, que es objeto de disfrute estético para quienes viven en sus calles y seña de identidad en un mundo cada vez más estandarizado.

In Memoriam

2007-12-01T15:23:00.001+01:00

Ignacio Hens

† 30-11-2007
que la tierra te sea leve, compañero

Paseo por Sierra Nevada

2007-11-05T23:03:00.000+01:00

Pues no tengo muchas ganas de escribir, pero os dejo estas fotografías de Sierra Nevada. Podeis acompañarlas escuchando Esta Música.

Mis discos para una isla desierta: "AMAROK"

2007-10-10T10:44:00.000+02:00

Con permiso de mi amigo "Mixolidius" tomo este título para de vez en cuando nombrar algunos de mis discos "fetiche" sin los que no puedo pasar.

Ya estaba tardando Mike Oldfield en aparecer por este blog, y es que no solo de música clásica se alimentan mis oidos, mis gustos musicales son bastante variados. Y en el caso de Oldfield, es unos de los músicos del panorama del pop-rock que más he escuchado y admirado, aunque ahora precisamente no me proporciona motivos de alegría, pero eso lo dejaré para otra ocasión.

No estamos hablando de mi disco favorito, porque eso puede cambiar para mi según el día y estado de ánimo, pero si de uno de los que más me impactaron y que además tiene otra serie de circunstancias añadidas:

-Fue mi primer CD, adquirido cuando aún no tenia el reproductor.
-Se publicó mientras cumplia el servicio militar en Melilla, y lo compartí con varios compañeros con los que me unió una gran amistad y gustos musicales similares a los mios.
-Cuando apareció, sorprendió a muchos por su cambio radical de estilo, tras un deslizamiento a la comodidad de fórmulas bastante comerciales (y un anterior álbum "Earth Moving", bastante flojito).

"Amarok" es un trabajo que bien podría encuadrarse en el estilo de los primeros años de la carrera de Oldfield, instrumental de larga duración y sin cortes (una hora en una única pista). La referencia más aproximada estaría en "Ommadawn", de hecho la misma portada es un guiño al magnífico álbum de 1975, y también por la constante presencia del folk y lo africano, e incluso de colaboradores que trabajaron. No obstante, no es un "remake" del viejo disco, mientras "Ommadawn" se recreaba más en el aspecto bucólico y campestre (también presente en "Hergest Ridge"), "Amarok" es un trabajo con más aristas, donde la música se compone como un puzzle, un "collage" donde en ocasiones las melodias no duran más de un minuto, exceptuando los últimos 15 minutos donde sí hay una clara referencia a "Ommadawn". Oldfield juega con el mejor instrumento que siempre ha sabido manejar, el propio estudio de grabación, y con la asistencia de Tom Newman (productor de "Tubular Bells") consigue que las transiciones de motivos musicales a veces tan dispares, endiablados "riff" de guitarra eléctrica, combinados en ocasiones con ruidos de toda clase (zapatillas sobre el piso, rotura de cristales, aspiradora, timbres telefónicos, etc..) cuadren a la perfección en uno de los trabajos instrumentales más singulares y poco conocidos (Amarok no contó con el apoyo de la discográfica) de la década de los 90. No en vano, en la grabación se utilizó un sistema digital de 80 pistas para poder introducir tanto material.

"Amarok" tambien supone el "canto del cisne" de este músico, que si bien posteriormente nos dejó algunos trabajos bastante dignos (el más destacable "The Songs of Distant Earth") ha ido en picado en los últimos años, casi renegando de sus señas de identidad musical, sacando cosas tan infumables como "The Millenium Bell" y aburriéndonos con nosecuantos revival de la campana y como colofón publicando un disco de pretensiones clásicas llamado "Music of the Spheres" donde pone el nombre y poco más, porque Jerkins es el que consigue que las pocas ideas musicales contenidas suenen en la orquesta.

"Amarok" es Oldfield en estado puro, no recomendable para personas con problemas de oído, tal como se advierte en la contraportada:

"HEALTH WARNING - This record could be hazardous to the health of cloth-eared nincompoops. If you suffer from this condition, consult your Doctor immediately "
("PRECAUCIÓN DE ESCUCHA: Esta grabación puede ser peligrosa para la salud de los mentecatos ‘orejas de trapo’").

Es un cariño que le dedica a Richard Branson, propietario y gestor de la Virgin Records, la compañia discográfica con la que mantenia compromiso y unas relaciones nada fáciles, ademas de otra perla en forma de código morse en el minuto 48 del disco, con el mensaje FUCK OFF RB.

Ya saben, para escucharlo cuando se esté solo mejor, no es necesaria la isla desierta ;-)

Reflexiones sobre el Tranvía de la Sierra

2007-09-21T08:29:00.000+02:00

Con cierta frecuencia visito Güejar Sierra, un pueblo serrano que no necesita ser presentado para mis paisanos, pero que a los demás les diré que está enclavado en el Valle del Río Genil. Güejar Sierra es lugar de paso obligado para realizar bastantes excursiones a Sierra Nevada, además es lugar famoso por su exquisita morcilla y junto al pueblo hay un restaurante donde apetece irme a dominguear de vez en cuando (En el Camping "Las Lomas", donde hacen unas migas de pan pa ponerse morao).

Siempre que voy alli, ya sea por mi afición excursionista o por pasar un rato, contemplo las abandonadas instalaciones del Tranvía de la Sierra (antiguas estaciones, el recorrido, los túneles excavados en la roca) y como está transformándose el entorno de la cabecera del Genil y me vengo con el mismo cabreo. La acumulación de despropósitos a lo largo de los años desde que dejó de prestar servicio ha sido considerable.

Para conocer la historia del Tranvía de la Sierra recomiendo la lectura del libro del mismo título del historiador granadino Manuel Titos (autor tambien de dos magníficos tomos titulados Sierra Nevada: Una Gran Historia). No obstante, intentare hacer un resumen sobre la vida de este singular ferrocarril de via estrecha, basándome en los datos bibliográficos de los que dispongo.
A comienzos del siglo XX se realizaron diversos proyectos de ferrocarril para acceder a Sierra Nevada, algunos de ellos bastante disparatados, que no llegaron a cuajar hasta que la iniciativa del Duque de San Pedro de Galatino puso en marcha un proyecto turístico serio con su intención de abrir un hotel de lujo en el término municipal de Güejar Sierra, el "Hotel Sierra Nevada", hoy conocido por todos como "El Hotel del Duque" y actualmente propiedad del Arzobispado de Granada (según deseo del Duque en su testamento).

El trazado original partía desde Granada y transcurría por Pinos Genil, Canales y Güejar Sierra, hasta la estación del Rio Maitena, paralelo al cauce del río Genil.. Posteriormente se amplió con la estación del "Charcón" y hasta la confluencia de los ríos Genil y el San Juan, a fin de favorecer las replobaciones forestales de la Dehesa del Calvario y también contemplando las puesta en marcha de un teleférico hasta los Peñones de San Francisco (proyecto abortado cuando prácticamente tenia todos los trámites superados). Fue inagurado el de 20 de marzo de 1925 y tras diversos avatares y crisis (pasando de ser una explotación privada a estar integrada en FEVE) estuvo en funcionamiento hasta 1974, año en que el inicio de las obras para la construcción del Embalse de Canales (que inundaba gran parte del trazado) dió el puntillazo definitivo a una explotación que siempre tuvo problemas de rentabilidad y a la que en sus últimos años tampoco le hicieron demasiado caso los granadinos, exceptuando los montañeros para quienes era el medio ideal de acceso a la Sierra.. No me consta que el cierre provocase algún tipo de movilización ciudadana, cosa que tampoco me extraña porque el conformismo lo tenemos demasiado inoculado en las venas (recientemente hemos vivido disparates más gordos, y nada...). Las siguientes fotografías, tomadas en 1979, muestran el estado de las obras del embalse, y una de ellas justamente corresponde a una horadación en la ladera justo en el punto donde un túnel del trazado transcurría por una cavidad natural conocida como "La Cueva del Diablo", ahí precisamente está ahora encajada la presa.
El mayor interés de este ferrocarril era el paisajístico, siendo especialmente notable en el trayecto que quedó sumergido bajo las aguas del embalse y nunca se podrá recuperar. La posible recuperación del tranvía resurge en la prensa local con cierta frecuencia, pero siempre más alentada más por un espíritu nostálgico que con argumentos que posibiliten abordarlo seriamente.

Dejando por un instante a un lado esta cuestión, mi propósito es hacer reflexionar sobre la transformación acontecida en este paraje de la cabecera del Genil desde que el tranvía dejó de prestar servicios. Ya existía una pista que desde la estación del "Charcón" llevaba hasta el "Hotel Sierra Nevada" y que terminó siendo ampliada hasta enlazar con la Carretera de la Sierra en el punto donde en la actualidad se ubica el Centro de Interpretación.Tras el cierre de la línea y posterior desmantelamiento del material ferroviario, llegó el inevitable asfaltado de un trayecto del trazado, permitiendo a los vehículos transitar desde Guejar Sierra hasta el citado punto de la Carretera de la Sierra, pasando por el "Hotel del Duque". El trayecto desde la estación del "Charcon" hasta el "Barranco de San Juan" no fue asfaltado, sin embargo es este destino el que más tránsito de vehículos provoca, porque pocos son los que se aventuran en las estrecheces y curvas de la carretera que sube hacia la Estación de Esquí.¿El motivo de tanto trasiego?: los inevitables "merenderos" que han invadido toda la zona en el transcurso de estos años. Alguno ya estaba en funcionamiento cuando el tranvía aún existía, pero nada que ver con el desbarajuste existente ahora.

Transformación de la estación de "Maitena" en merendero "en propiedad", sucesivas ampliaciones y transformaciones del mismo, afectando a los márgenes del río, apertura y crecimiento desmesurado de los merenderos "Los Castaños" y "El Chiquito", apertura del merendero en el "Barranco de San Juan", en el lugar donde originalmente se ubicaba un corral de ganado, apertura del merendero "El Charcón" a partir de lo que inicialmente era una vivienda privada (¡¡¿¿??!!). Todas estas instalaciones han realizado intervenciones más que dudosas en el entorno para poder dar cabida a los vehículos de sus visitantes, teniendo como consecuencia movimientos de tierra, talas de árboles y construcciones de diques, todo a menos de 100 metros del cauce del río Genil, bastantes de estas intervenciones en el mismo. Todos tenemos algo de culpa en esto, yo mismo he estado de comilona siendo un niño con mis padres en más de un sitio de estos y ya adulto a la vuelta de alguna excursión, pero hoy día es que ni me apetece pisarlos viendo su comportamiento de "Atila", aparte que te dan un clave de narices por ponerte de comer regular.

Cierto es que no podemos hacer de nuestros espacios naturales lugares sagrados y puestos en un altar, pero si hay que tener un miramiento y planificación respecto a como explotarlos de manera que generen riqueza, pero sin cargárnoslos (aquello del "desarrollo sostenible", esa expresión que ya está manida de tanto uso y poca aplicación).

Ya a mediados de los años ochenta, cuando se estaba gestando la creación del actual Parque Natural se planteó poner un poco de freno al deterioro de la zona, con la intención de que toda esta zona quedase enmarcada dentro del mismo. Aquello tuvo como consecuencia un triste episodio en Güejar Sierra, cuando un par de concejales necesitaron protección policial de un numeroso grupo de vecinos algo "nerviosos". Finalmente el Parque Natural de Sierra Nevada tiene su límite justo en la confluencia de los ríos Genil y San Juan, a unos metros de donde se ubica el último de los merenderos existentes al final del trazado del tranvía, que casualidad. Incluso la propia administración ha realizado acondicionamientos en la antigua explanada para facilitar -¡aún más!- el acceso de los vehículos.

Y ahora me pregunto ¿un nuevo "Tranvía de la Sierra"? No seamos ilusos y nos montemos castillos en el aire, como mucho podría recuperarse el trazado desde Guejar Sierra hasta el Barranco de San Juan, pero los costes de esta inversión son altísimos y no creo que sea rentable ni preciso hacer semejante inversión. Existen otras opciones, comenzando por la eliminación del tráfico rodado en todo este trayecto que he estado describiendo, y habilitando un microbús lo menos contaminante posible para mover a los que quieran disfrutar de este todavía encantador -pero menos que antes- entorno. Respecto a los merenderos, hay exceso, una sobreexplotación hostelera de la zona, si por mi fuera serían expropiados y sus propietarios indemnizados, y los que se vea que pueden cumplir unas condiciones compatibles con el entorno, ser explotados en concesión administrativa renovable cada cierto tiempo (y donde se podría dar preferencia en la misma a los antiguos propietarios, previo concurso de méritos, etc.).

En otras zonas de nuestra geografía, especialmente por el norte, observa que tienen bastante sentido común en la gestión de sus espacios naturales, y no les duelen las prendas restringiendo el acceso de vehículos y visitantes cuando hay que proteger algo que no sólo es para nosotros ahora, sino que también pueden disfrutar nuestros descendientes. Si fue posible que los vehículos dejaran de circular por la pista que comunicaba la estación de esquí con la Alpujarra, no hay que descartar que algún dia también en este entorno se tome similar decisión, no perdamos la esperanza.

Como recuerdo, el resto de las fotografías corresponden a una exposición sobre el tranvía de hace un par de años, y las maquetas recogen algunos de los puntos más singulares del trazado.
BIBLIOGRAFIA
"El Tranvía de Sierra Nevada", Manuel Titos, Editorial Arguval
"Sierra Nevada: Una Gran Historia", Manuel Titos, Ed. Universidad de Granada (2 tomos)
"Proyecto del Teleférico de Sierra Nevada", Rubio Gandía, M.A.; Giménez Yanguas, M.; Reyes Mesa, J.M., Ed. Axares.

J.S. Bach: Mis 10 obras favoritas

2007-07-30T09:59:00.000+02:00

Afectado por la pereza veraniega soy incapaz de terminar un post "serio" que tenía preparado hace semanas, así que para no descuidar esta bitácora me descuelgo con un comentario de salir del paso, las encuestas y los favoritos hacen furor en verano, que le vamos a hacer.

Pero tratándose de Bach, nada es intrascendental. Mi fascinación por el "Kantor de Leipzig" viene desde la infancia, cuando cayeron en mis manos unos discos de vinilo de "El Arte de la Fuga", y quedé atrapado por esos recónditos contrapuntos. Así que hay van mis "10 Bach".

La Pasión según San Mateo BWV 244: "Obra" con mayúsculas tanto por sus dimensiones como por los recursos utilizados (coro y orquesta dobles más cuatro solistas). Citando a Yayo Salva "A mí me llena de inquietud, de sosiego, de estupor, de melancolía, de esperanza según van discurriendo los pentagramas". A partir del texto de Mateo en el Evangelio luterano, Bach desarrolla una historia apasionada y apasionante, narrada en recitativos en los que la música subraya el dramatismo de los distintos pasajes del relato evangélico de la Pasión. Versión favorita: Philippe Herreweghe dirigiendo los coros y orquesta de la Chapelle Royale, Collegium Vocale Gent (2º coro) y Coro In Dulci Jubilo (coro de niños).

Concierto de Brandemburgo Nº 5 BWV 1050: Cada uno de los conciertos que Bach dedicó al "Margrave" de Brandemburgo ofrece una perspectiva distinta del tratamiento del concierto. En este destaca el primer movimiento por la larga cadencia protagonizada en solitario por el clave, siendo un precursor en este sentido de los conciertos para tecla que serán ya protagonistas del clasicismo que se acerca. Grabación favorita por su virtuosismo: Ton Koopman al clave y dirigiendo la Orquesta Barroca de Amsterdam.

Suite Orquestal Nº2 BWV 1067: Bach integra los estilos francés e italiano en estas obras, tambien compuestas durante su estancia en Cöthen. La suite Nº2 es una contínua sucesión de movimientos de danza con especial protagonismo para la flauta, junto con las obras de esta etapa nos ofrece la visión más secular de su autor. Una versión no apta para historicistas pero que me gusta mucho: The Academy of St. Martin of the Fields dirigidos por Neville Marriner.

Variaciones Goldberg BWV 988: Publicadas originalmente como "Aria con variaciones diversas para clave con dos manuales" encargadas a Bach por el conde Hermann Carl von Kayserlingk de Dresde para que el clavicordista de su corte Johann Gottlieb Goldberg le entretuviese con ellas durante las noches de insomnio del conde. 30 variaciones sobre un aria que se vuelve a repetir al final. No es necesario sufrir insomnio para deleitarse con las mismas, ya bien en las numerosas interpretaciones al clave disponibles (la más pausada y que me gusta especialmente por Gustav Leonhardt) o al piano (si no se es un purista, quien mejor que Glenn Gould).

Fantasía Cromática y Fuga BWV 903: La fantasía está llena de sorpresas rítmicas y armónicas, pasajes virtuosísticos, dando la impresión de ser un laberinto musical que en primera escucha sorprende. Scott Ross al clave me la descubrió.

Sonata para Violín y Clave en si menor Nº1 BWV 1014: La primera de las seis sonatas en cuestión atrapa por la melancolía de su primer movimiento. Son obras para escuchar con tranquilidad. Mi versión: Monica Hughett al violín con Ton Koopman al clave.

El Arte de la Fuga BWV 1080: Este compendio de 14 fugas y 4 cánones, todos en re menor, una de mis tonalidades favoritas, suele ser "punto de desencuentro" entre los amantes de la música antigua. Para algunos pestiño insoportable, que tendría más una finalidad teórica que musical. Para otros una obra con la que deleitarse. La partitura original (inconclusa, donde la fuga 14 queda "suspendida") no indica instrumentación alguna. Por motivos nostálgicos, la interpretación en órgano sigue siendo mi favorita, destacando la reciente grabación de André Isoir por su pulcritud en la pulsación.

Pasacaglia en do menor BWV 582: He reservado tres posiciones para obras organísticas, haciendo honor a mi pasión por el rey de los instrumentos. De las "grandes obras" me quedo con esta, sobre el ostinato del pedal el tema va desarrollándose de forma bastante libre, próxima al modo de los preludios. La fuga, más estricta en su planteamiento, no deja de deparar sorpresas en las posibles variaciones que admite el tema del pedal. La Pasacaglia es para mí como ver alzarse un edificio de majestuosa y precisa arquitectura. La ya bastante vetusta grabación de Helmut Walcha sigue teniendo un encanto especial para mí, que prefiero algo más de solemnidad en este caso.

Pastoral en Fa BWV 590: Estructurada en cuatro movimientos, esta obra de carácter "amable", especialmente indicada para iniciarse en el vasto mundo de la obra organística de Bach. Los tres primeros permiten al intérprete jugar con la registración y buscar sonidos acordes con su espíritu navideño, el último, de caracter fugado, precisa sonoridades plenas y hace crecer la obra. Ton Koopman grabó en "Archiv" un limitado número de obras de órgano de Bach, reeditadas con frecuencia, y entre las mismas esta seria una de mis opciones favoritas.

Preludio Coral "Wachet auf, ruft uns die Stimme" BWV 645: Perteneciente a la colección de corales "Shübler", que toman nombre del editor que las publicó, y tomada de uno de los momentos de la cantata del mismo nombre (BWV 140). Es difícil escoger un preludio coral para órgano de entre tantos que compuso o arregló Bach, es más, podría haberme decantado por una "serie" completa, pero este es uno de los más hermosos a la par que espiritual, y no suele dejar indiferente a nadie. En esta ocasión y para variar, me quedaré con el organista francés André Isoir.

Azimut: un millón de recuerdos

2007-05-28T00:40:00.000+02:00

La Asociación Deportiva Azimut volvió a reunirse el pasado viernes para celebrar una cena que teníamos pendiente desde Navidad y que por unas cosas u otras fue aplazándose. Gracias a “La Mari Paz”, a quien habría de hacer un nombramiento especial estilo “comisión de fiestas y reuniones”, que se preocupó y se encargó de buscar el sitio, comunicarlo a todos, etc., fue posible y en el Carmen de la Victoria compartimos un buen rato todos juntos.

En mi caso eran muchos meses de ausencia de esta ... ¿podría considerarla de otro modo que no fuese una segunda familia?. Es por eso que debo unas líneas en esta bitácora a todos vosotros. Acabo de prepararos las fotos de la cena y enviarlas a vuestros correos, y no he podido evitar buscar en mis antiguos álbumes y repasar todos esos momentos vividos juntos a vosotros. No, no debo volver a ausentarme tanto tiempo, ahora estoy bajo los efectos de un “shock” emocional. Os echaba mucho de menos.

He seleccionado unas pocas instantáneas que corresponden a cuando yo estaba más presente, me ha costado mucho porque han sido muchos los carretes de negativos que tengo de la Sierra, cuando la máquina de fotos (nada de digitales ni mariconás campestres) no dejaba de acompañarme. Tal vez la que más cariño le tenga sea a esta tomada en el refugio del “Postero Alto”, ahí estamos Curro, Antonio Herreros, un servidor y Eduardo. Curro digamos que corresponde a la “segunda generación” de Azimut, pero para muchos de nosotros has sido el continuador de un espíritu que estaba en los orígenes de Azimut. Esta foto también me afecta porque evidencia una ausencia que no me explico por qué se ha producido, pero prefiero quedarme con el recuerdo de aquella camaradería, del buen entendernos cuando pateabamos juntos las cumbres. Recuerdo esos subidones de adrenalina con consecuencias absurdas en medio de una cuesta, cuando o bien Curro y yo nos poníamos a cantar rememorando a los Led Zeppelin o a Eduardo le daba la vena folclórica y se ponia a imitar a Rocío Jurado. O la desorganizadísima mochila de Antonio (vamos, un puro desastre), a quien teníamos que esperar para que pudiera terminala. Joder, cuando me he reido con vosotros.

Sería injusto no recordar a Carmelo, fundador del Azimut, aunque luego decidiera él seguir por otros caminos. En esta foto de la Laguna de la Mosca de izquierda a derecha: Tere, Carmelo, Ascensión, Antonio, Eduardo, Emilia, Paco (Paco “Dandy” para los amigos), y abajo dos aún jóvenes Emilio y Germán. De Paco siempre hemos comentado su sorprendente capacidad para no perder la elegancia en medio de la Sierra, cuando los demás tras varios días de trote llevamos las ropas que son un “poema”, Paco va como si llevase la “Ufesa” en la mochila, tó espercojaico él.

Carmelo nos adentró en muchísimos rincones de la Sierra, a algunos nos enseñó las nociones básicas de seguridad, de técnica invernal, y a partir de ahí hicimos nuestros pinitos. Pero tambien, y eso fue para mí lo más importante, nos enseñó que la Sierra no era un mero “objeto” de entretenimiento, sino que también era un hogar al que querer y cuidar. En este momento que el auge de los "deportes de aventura" hace que muchos sólo busquen descargar su adrenalina sin fijarse por donde pasan no está de más tenerlo en cuenta. Con Carmelo tambien hicimos algo que muchas veces he pensado deberia repetirse, trabajar aspectos didácticos y poner nuestro grano de arena en la conservación de lo que amamos. Esta foto corresponde a una de las jornadas de trabajo que realizamos en una época en un sendero de la Sierra del Padul, evidentemente al momento del “relax” que aprovechábamos para ponernos hasta las orejas de comer.

Precisamente, estas otras instantáneas corresponden a cuando tras una serie de salidas con Carmelo nos animamos a realizar una subida en invierno al Mulhacén. Bueno, para algunos no era la primera experiencia de esta índole, pero para mi sí lo fue, y tambien para Mari Paz y Emilio. Las nubes amenazantes se comportaron y solo tuvimos el inconveniente de un fuerte viento en los últimos metros de subida, donde casi perdemos el aliento.

Tras el liderazgo de Carmelo fue Antonio Herreros quien tomó las riendas de Azimut, junto con el apoyo de Eduardo y yo mismo, en esa época ya estaban con nosotros Emilia (socia fundadora), Tere, Mari Paz, Paco Alonso, Mercedes, Ignacio y Mónica, quienes forman parte de esta unión indisoluble. Las circunstancias de la vida hicieron que "Jesulín", Antonio Marruecos, Amparo, Rufo y Elena cada vez vinieran menos. Luego vinieron Jamed (¿quien necesita un GPS con nuestro querido bereber?) Marga, Curro, Ana, Juanma, María José, Yolanda... La siguiente junta directiva con Marga y Paco Alonso, momento en que yo comencé a estar mas ausente por mis obligaciones familiares y las oposiciones, momento en que Ignacio tuvo que tomarme el relevo en la publicación "Senderos" que luego no pudimos seguir manteniendo. Al volver me encontré con nuevos compañeros: Bernardino, Maria José Reyes, Carmen, Conchi, Leonor... La tercera junta directiva que ahora preside Curro.

Es difícil nombraros a todos, muchos pasaron por Azimut en un momento determinado, otros se quedaron, y esto ha permitido que sea un ente vivo. Deseo que los nuevos socios que conocí el otro día tomen el testigo y no dejen que los que han llevado la carga en los últimos tiempos terminen “quemándose”.

A todos vosotros: Tere, Antonio, Emilia, Mari Paz, Paco Alonso, Mercedes, Curro, Ana, Marga, Bernardino, Ignacio, Mónica, Jamed, Carmen, Juanma, las “Mariajoses”, Carmen, Conchi, Xavi ...

En mi recuerdo: Carmelo, Eduardo, Rufo, Elena, Emilio, Germán, “Jesulín”, Amparo, Rafa ... y muchos más.

Os quiero.

Antonio

El Marmitako del Organista de Mundaka

2007-05-18T20:08:00.000+02:00

Tras la presentación oficial de esta bitácora no se me ocurre mejor que un comentario gastronómico-musical. Los que me conocen de cerca saben que si hay algo que me cause tanto entusiasmo como la música es la buena mesa, y si es tradicional tanto mejor (cuchara, siempre cuchara), de modo que la receta del Marmitako que no hace mucho he aprendido a cocinar puede servir de excusa.

Joxe Benantzi Bilbao, natural de Mundaka (Bizkaia), amigo y organista al que he tenido el gusto de escuchar tañendo el rey de los instrumentos en varias ocasiones. Como persona un encanto, como profesional un trabajador incansable y un Músico con mayúsculas. Con sobrados recursos técnicos, gracias a los cuales le he visto resolver situaciones comprometidas en más de un instrumento en condiciones poco afortunadas, pero sin que la música nunca se resienta por ello. Sus interpretaciones tienen "alma", ese elemento que no sólo se consigue con una técnica impecable o haciendo sonar todas las notas en su sitio, para mi ese "alma" es fundamental cuando se escucha una obra de Francisco Correa de Arauxo o de Johann Sebastian Bach. En el caso de Correa, Benantzi capta y transmite esa esencia mística a la que hace referencia la que fue su profesora Montserrat Torrent:

Así, aún cuando se manifiesta la versatilidad de diferentes estados anímicos o "afectos" en su escritura, pasando a veces de la expresión del dolor más acerbo a una ligera ironía (final del Tiento de quarto tono, folio 11 verso), y otras, por la melancolía inherente a la modalidad, la ternura, la soberbia, el gozo, la alegría o la tristeza más profunda, entre otras emociones, intuí que había algo más hondo en sus amplias y únicas armonías y en sus glosas, que se elevan en espiral en busca del infinito. Creo haber llegado al umbral del arcano. Correa es un místico, un místico que trasciende su oración, hecha música, expresada en lenguaje apasionado, como apasionado era el lenguaje de los poetas místicos. Correa, en un ambiente que le es hostil, se refugia en un ideal divino y sublima el amor humano dedicándolo a Dios y a la Virgen, la mística de los místicos. Por qué, si no, aparece tantas veces el tema de la Salve en tientos en los que éste no figura como tema principal, sino que se introduce en voces secundarias como una dedicatoria a María, vertiendo en ella su necesidad de amar. Aquí está la clave de su exaltación, y de su espiritualidad.

No he sido capaz de recortar esta cita, porque pienso que Correa, al igual que Bach, siempre merecen las líneas que se precisen.

Benantzi tiene dos magníficas grabaciones dentro de la interesantísima colección "Órganos de Vasconia". Una de las mismas registrada en la Colegiata de Ziortza y donde además del citado Correa, también se tocan y cantan otras piezas de compositores vascos, en la revista OpusMúsica hay una completa reseña de este CD, por lo que no me extiendo más. El otro CD, registrado en el órgano construido en 1884 por Aquilino Amezua para la iglesia de Andra Mari de Gautegiz-Arteaga (Bizkaia), se adentra en el por muchos denostado repertorio de estilo galante. Las obras seleccionadas pertenecen a dos grupos: la música vasca del periodo clásico y la música prerromántica. Las obras de Ojinaga, Larrañaga, Lombide y Bidaurre proviene del Santuario de Arantzazu en Oñati (Gipuzkoa). Esta música, llena de frescura, sin complejidades armónicas y con claras influencias del estilo italiano, está a medio camino entre Domenico Scarlatti y el Padre Soler. Escuchar esta música si el intérprete solo ofrece técnica llega a resultar aburrido, en este caso recomiendo muy encarecidamente prestarle atención, el personal fraseo del intérprete descubre aspectos que muchas veces pasan desapercibidos.

Como buen vasco Benantzi tienen buen saque en la mesa, en su localidad natal es miembro de una sociedad gastronómica y he podido comprobar su buena mano en los fogones. El pasado verano compartimos unos días de vacaciones y preparó un Marmitako para chuparse los dedos que ya he conseguido dominar y del que os pongo la receta. Buen provecho a todos y todas, ya sabeis, alimentad el espíritu con buena música y el estómago con buenas viandas.

MARMITAKO:

INGREDIENTES (6 PERSONAS, aprox.):

½ Kg. de bonito del norte, ya limpio de espinas, sin piel y troceado.
4 cebollas grandes.
2 Kg de patatas.
Un buen chorro de aceite de oliva virgen extra.
5 Pimientos secos.
Agua y Sal.

En un recipiente poner agua templada y sumergir en la misma los pimientos secos para que vayan reblandeciéndose.
Picar bastante finas las cebollas y poner a sofreir a fuego lento en la olla o marmita con un buen chorreón de aceite. La cebolla picada ha de sofreírse durante bastante rato, cuando comienze a pegarse un poco añadir pequeñas cantidades de agua y seguir removiendo. Debe llegar a un punto en que ha tomado un color bastante oscuro, casi desecha. Pero que no se pegue o queme.
Mientras se va sofriéndo la cebolla, pelar las patatas y cortarlas del siguiente modo. Aprox 2/3 de las patatas en cascos, y el tercio restante en láminas finas. De este modo parte de la patata se va a deshacer durante la cocción y espesará el caldo.
Una vez lista la cebolla, añadir las patatas y cubrir de agua un par de dedos por encima de las mismas. Salar al gusto y poner a hervir a fuego lento, con la olla tapada.
Sacar la carne a los pimientos y añadirla a la olla cuando las patatas en cascos ya estén listas, en ese momento remover bien todo y corregir el punto final de sal. Añadir algo de agua si ha mermado demasiado.
Por último añadir el bonito y que dé un leve hervor y cortar el fuego. Si el bonito se cuece demasiado se pone bastante “estropajoso” y pierde la gracia. En todo caso, mejor que se termine de hacer durante un rato con el mismo calor del caldo ya cortado el fuego.

¿Y por qué un blog ahora?

2007-05-10T09:39:00.000+02:00

Abierto este espacio, se hace necesaria una justificación del mismo, digo yo. Los blogs se han puesto de moda, y finalmente no he podido resistirme a la tentación de abrir uno. La cuestion es que para charlar con los demás ya están los foros donde habitualmente habito (cibernéticamente, claro) o el mismo msn, donde en ocasiones caliento la cabeza a mis amigos con mi incontinencia verbal en las teclas.

La cuestión es que en sitios como Clasiforo o El Pombo, si bien permiten hablar de cualquier cosa, uno siempre es consciente que se encuentra en "casa ajena", en un espacio común compartido donde siempre causa algo de pudor ponerse a soltar lo que a uno le venga a la cabeza sin unos mínimos de coherencia. Aqui lo mismo me puedo soltar más en este sentido, pero sobre todo, puede resultar entrañable que sea como una tertulia en tu propia casa, donde invitar a los demás a compartir. Ahora que recuerdo, otros hábitats que he frecuentado los tengo bastante abandonados, como el primer foro de música clásica que encontré, Foroclásico, o la lista de correo sobre Mike Oldfield, Taurus IV, donde hace mucho que leo más que escribo, porque el guitarrista-multinstrumentista de Reading no da ya pa mucho más.

Puede ser divertido que por este espacio pasen a saludar o lo que sea algunos de los que he ido conociendo en estos distintos chiringuitos internáuticos y que coincidan. No quiero dejar de pasar la ocasión de dedicárselo a los mismos.

Por Taurus IV: A Octavio, a Nacho, a Santi, a Félix, a Juan Enrique, a Jon... Por citar con quienes más contacto he mantenido.

Por Clasiforo: A Mixolidius, LHOOQ, Mónada Sapiens (que sé le dan mucha tirria los blogs...jaja), a Jaqueline, a Nimrod, a Urko, a Charpentier...

Por El Pombo: A mi paisano Arkab, Orfeo Euclides (también de Clasiforo), Arnau, los organófilos Aarón, Navar, Juan Luis....

A mis compañeros de la Asociación Deportiva Azimut, a ver si alguno quiere pasarse por aquí.
No prometo ser demasiado prolífico por aqui, sólo lo necesario para dar salida a mis ocurrencias. De hecho, ya tengo funcionando un Foroblog en El Pombo, pero más centrado en mi ciudad, Granada. Y la Página del Órgano en Granada que me da trabajo casi contínuo para tenerla al día... Que por cierto, eso me recuerda que yo tenía una página web que lleva siglos sin actualizar. Y lo mismo la dejo así, producto de ese momento en que me dió por hacerla, como un fotograma más.

Lo que si puede ser una buena ocasión es para explicar eso de "Alcazaba" o "Alkazaba", según donde se me pueda leer. Es una historia con bastantes años a las espaldas, más de 20 ya, de cuando yo era radioaficionado pirata en la Banda Ciudadana, y precisamente a falta de un indicativo legal, usaba "Alcazaba". También tiene relación con mi querida Sierra Nevada, y su más impresionante cumbre, así que el nombre de la misma me bautizó en las ondas, y posteriormente, en los torrentes de bits que circulan por la red. Posteriormente, algún problema de registro, me obligó a usar la "k", que fonéticamente da el pego, así que de los dos modos he ido firmando, aunque este blog recupere la grafía original.

Esto me recuerda que también he de dedicarle este blog a "Antonio27", compañero de ondas en mi adolescencia.

Y a quienes hayan cruzado conmigo por el MSN y me han soportado la charleta.

Y a mi familia por la paciencia que tiene conmigo, siempre metido en cincuenta berenjenales.

Y por consiguiente, queda inaugurado este pantano... ¡Oops! Que digo, ¡Blog!

Antonio